Este mes se cumplen 100 años del estreno en Berlín de El gabinete del Dr. Caligari (Robert Wiene, 1920), la película que lo cambió todo: el lenguaje, la estética y hasta el sentido del cine. Nacía el Expresionismo cinematográfico alemán y esta obra, estrenada el 26 de febrero en la avenida berlinesa Kurfürstendamm, se convertía en paradigma y primer ejemplo de este movimiento artístico.  

Fue entre 1918 y 1919 cuando se escribió el guión de El gabinete del Dr. Caligari, entre la rendición alemana en la Primera Guerra Mundial y la firma del Tratado de Versalles. El contexto histórico en el que esta película se concibió es uno de los factores más determinantes de su génesis, su estética y su simbolismo. Es, por encima de todo, una gran metáfora del poder autoritario de un estado inhumano. Sus escritores, Hans Janowitz y Carl Mayer, ambos pacifistas, habían sufrido experiencias traumáticas con el ejército en la Primera Guerra Mundial. Desconfiaban de la autoridad y sentían una profunda decepción hacia lo que habían sido las élites militares. Sus experiencias personales con la psiquiatría, la muerte y sus visitas a un adivino fueron el material de base para ir dando forma a la historia del guión. A pesar de que no fue expresado como tal por ellos, interpretaciones posteriores de esta película han asimilado al Dr. Caligari con una metáfora del gobierno militar alemán y a Cesare con el hombre común condicionado y manipulado para matar, como la idea de un ser superior que ejerce poder sobre otro emocionalmente desequilibrado. En forma de pesadilla, delirio o paranoia, se muestra a un personaje dañado y manipulado, a un personaje que sufre, que no duerme, que tiene visiones constantes de un horror que se acerca. En un sentido más amplio, se podría entender como la desconfianza hacia el poder de un estado inhumano que se ha vuelto loco, como en alguna ocasión expresó Janowitz.

En su simbolismo visual, estético y temático, hay un constante juego de contrastes y dualidades al representar la falta de estabilidad del ser humano: luz y oscuridad, sueño y pesadilla, lucidez y locura, el trauma, la paranoia, la realidad y el delirio. Como paradigma del movimiento expresionista cinematográfico, El gabinete del Dr. Caligari exagera las formas, el gesto y la iluminación, y recurre a las representaciones desfiguradas como un símbolo de la percepción subjetiva de la realidad.

caligaryplatz-collage

El rodaje de la película se llevó a cabo entre finales de 1919 y enero de 1920, en los estudios de cine de la DECLA, en el barrio berlinés de Weissensee. Todo se desarrolló en interiores, lo cual limitó ligeramente las posibilidades narrativas del espacio. Pero el diseño de producción consideró que utilizar un escenario naturalista no era lo más correcto para el filme. La idea de proyectar imágenes visionarias y alejadas de la razón llevó al equipo a considerar un estilo expresionista para el rodaje, como si fueran dibujos traídos a la vida. Se encargaron así a varios artistas cubistas decorados pintados sobre cartón, con grandes angulaciones y líneas oblicuas. Y a pesar de que ya para entonces se estaba retirando el veto de países occidentales a las películas alemanas, Erich Pommer, el productor, consideró que el uso de decorados de cartón sería una buena forma de ahorrar dinero.

Ku'damm - Marmorhaus-zara

La película fue finalmente estrenada el 26 de febrero de 1920, en el cine Marmorhaus de Berlín, en la Kurfürstendamm, y resultó tremendamente impactante entre los espectadores, algunos de los cuales llegaron a desmayarse. Tanto crítica como público mantuvieron una opinión dividida acerca de la película en el momento de su estreno. Sin embargo, hoy es considerada un clásico, una obra maestra que ayudó a llamar la atención hacia el mérito artístico del cine alemán, siendo la película más influyente de su historia. La estela estética que dejó el filme marcó el camino a otros ejemplos posteriores de la cinematografía alemana durante los años ’20: Nosferatu (F. W. Murnau, 1922), El último hombre (F. W. Murnau, 1924), Misterios de un alma (G. W. Pabst, 1926), Metrópolis (Fritz Lang, 1927) o M (Fritz Lang, 1931). Como resultado, se acuñó el término “caligarismo” para referirse al estilo de muchos de estos filmes similares que abordaron temas psicológicos como la locura y la obsesión en su retrato de una realidad social. El uso de la distorsión visual fue también un tema recurrente a la hora de mostrar la subjetividad y el daño psicológico de algunos personajes.

El gabinete del Dr. Caligari fue sin duda una película profética en su representación del espíritu que asoló Alemania al final de la Primera Guerra Mundial y en su planteamiento del trauma social de la República de Weimar. Con frecuencia los nazis reaccionaron y rechazaron este tipo de manifestación artística, no sólo en el mundo del cine, sino de la pintura, la escultura y el teatro. Para ellos, este “arte degenerado” no representaba los valores que el nazismo quiso ensalzar. Por el contrario, mostraba la humillación de una sociedad dañada por el fin de la Primera Guerra Mundial, una sociedad arruinada y hundida. La cultura visual del nacionalsocialismo rechazó frontalmente todo aquello y abogó por mostrar lo contrario: un país fuerte, recuperado y en buen estado de salud.

PlakatDe El gabinete del Dr. Caligari se han hecho numerosas interpretaciones posteriores, especialmente sabiendo a dónde llevó ese trauma y ese dolor. Una de las más significativas para la historia del cine alemán es la del historiador Sigfried Kracauer en su obra De Caligari a Hitler: una historia psicológica del cine alemán (1947) (adaptada recientemente al cine en forma de documental). En ella, el autor traza líneas directas entre una figura y la otra argumentando que el filme reflejó la necesidad subconsciente de la tiranía en Alemania y su obediencia a la autoridad. A pesar de que su análisis se hizo tras la caída del Tercer Reich y sabiendo hasta dónde se había llegado, merece la pena dedicar tiempo a la lectura de la obra.

* Imágenes: Wikimedia Commons y Celia Martínez García

 

 

 

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